Художественный образ, символ, знак (язык)

У  каждого  времени  свое  лицо,  свой образ,  свои  мелодии  и  ритмы.  Когда мы  видим  величественные  египетские  пирамиды  или  храм  Василия Блаженного,  слушаем  музыку  Баха, Моцарта,  Чайковского,  читаем  былины  и  народные  предания,  сочинения Шекспира  или  Дюма,  Пушкина  или Чехова,  мы  проникаемся  атмосферой ушедших  времен,  мы  узнаем  людей, которые  жили  тогда.  Последующие поколения  лучше  поймут  наше  время,  если  будут  слушать  музыку,  читать книги, рассматривать картины и скульптуры нашей  эпохи. Ведь  современное искусство  -  это  то,  в  чем  воплощается наш мир, мы  с  вами. И  по  тому,  что сейчас  создано,  потомки  будут  судить о  нас.

Художник  и  скульптор,  композитор  и  исполнитель,  поэт  и  писатель, режиссер  и  актер  нуждаются  в  контакте  со  зрителем,  слушателем,  читателем,  которые  участвуют  в  творческом  процессе,  сопереживают  ему. Чтобы  приблизиться  к  искусству,  войти  в  мир  художника,  приоткрыть  для себя  уникальность  личности  творца, не  обойтись  без  понимания  таких  категорий,  как  художественный  образ, стиль,  язык.

Художественный  образ  -  это обобщенное  представление  о  действительности,  выраженное  языком искусства отношение  к жизни,  к окружающему  миру.
Раскрывая  свой  внутренний  мир,  художник  всегда  настроен  на  волну  своего  времени  со  всеми его  тревогами  и  радостями,  предчувствует  те или иные  перемены. Поэтому и  становится возможным  создание художественного  образа  эпохи.
Это форма истолкования и освоения мира с позиции определённого эстетического идеала, путём создания эстетически воздействующих объектов.
Художественным образом также называют любое явление, творчески воссозданное в художественном произведении. Художественный образ - это образ искусства, который создаётся автором художественного произведения с целью наиболее полно раскрыть описываемое явление действительности.
Художественный образ является наглядным, т.е. доступным для восприятия, и чувственным, т.е. непосредственно воздействующим на чувства человека.

 

Образ Дона Кихота

  

Образ Геракла

А.Венецианов. Крестьянка с молоком

А.Венецианов. Крестьянка с косой и граблями

Крестьянка за вышивкой

  

Образ крестьянки

Стиль  (от  греч.  stylos  -  буквально палочка  для  письма)  означает  почерк, совокупность  характерных  черт,  приемов,  способов,  особенностей  творчества.  В  искусстве  различают  стиль эпохи  (исторический),  национальный стиль (принадлежность тому или иному народу),  индивидуальный  стиль  конкретного  художника  в  широком  смысле этого слова. Характеризуя стиль в архитектуре,  говорят,  что  «стиль -  это  эпоха»,  в  других искусствах -  в живописи, музыке,  литературе -  «стиль -  это  человек».
Это совокупность признаков, характеризующих искусство определённого времени, направления или индивидуальную манеру художника.

Собор в Кёльне

Нотр Дам де Пари

Собор в Рейме

Готический стиль архитектуры

Капелла кающихся грешников. Больё-сюр-Дордонь

Церковь Сан-Мартин во Фромисте

Церковь св.Ламберта

Романский стиль архитектуры

Louis Armstrong. What A Wonderful World.

Frank Sinatra - New York, New York

Музыкальный стиль - джаз

Символы и знаки. С  первобытных  времен  различные виды  изображений  (скульптурные, живописные,  графические)  являлись знаковыми  и  символическими  кодами,  которые  использовались  древними  людьми  для  осуществления  обрядов, сохранения и передачи информации.  Любой  значительный  звук,  жест, вещь,  событие  может  быть  либо  знаком,  либо  символом.

Искусство говорит с людьми на языке  символов. Символ  в искусстве  является  художественным  образом,  воплощающем  какую-либо  идею.  Символ, как  загадка,  многозначен,  его  смыслы можно  раскрывать  до  бесконечности в  отличие  от  знака,  который  всеми понимается  одинаково.  Глубина  понимания  символа  зависит  от  способности  человека  к  интерпретации,  от  его эрудиции  и  интуиции.

Музыкальное  искусство  говорит  с нами  языком  звуков  и  наполнено  тайнами. С  поразительным  разнообразием и  глубиной с помощью системы  знаков и  символов  музыка  выражает  богатейший мир человеческих чувств. Даже отдельный  звук  с  учетом  всех  его  сторон —  высоты,  длительности,  тембра,  громкости — представляет  собой  знак-интонацию.  Он  может  свидетельствовать  о робости  или  уверенности,  скованности или  свободе,  нежности  или  грубости. Можно  говорить и  о пластических  знаках,  воспроизводящих  жест,  движение.

В  истории  были  эпохи,  когда  люди особенно  часто  обращались  к  символам  в  искусстве.  Примером  может служить  средневековое  христианское искусство.  В  Средние  века  особый  интерес представляла  устремленность человека  к  Богу. Поэтому  вещи,  окружавшие  человека,  интересовали  художника  лишь  в  той  степени,  в  которой  они были  связаны  со  смыслом Священного Писания.  На  многих  средневековых картинах  изображаются  чаша,  виноград  (вино)  и  хлеб  -  символы  таинства  причащения;  цветы  лилии  или   ириса - символ  Богоматери. 

Выбор  колорита,  цвета  также  символичен:  красно-коричневый  являлся символом  всего  земного  (глина,  земля);  красный  —  цвет  пролитой  жертвенной  крови,  огонь  веры;  голубой или  синий  символизировал  все небесное,  святое;  а  зеленый  —  цвет  надежды,  цвет  жизни,  символ  утешения,  возрождения к  новой  жизни.

Для  художника  не  существует  «безгласных  вещей»,  для него  все —  «выразительное  и  говорящее  бытие»  (М. Бахтин).

Язык  любого  искусства  помогает услышать  в  произведении  живой  голос  художника,  многовековую  мудрость  народа.  Выразительность,  эмоциональность,  образность  языка  живописи  и  графики,  музыки  и  скульптуры,  поэзии  и  танца  обеспечивают композиция, форма, - фактура,  ритм, тон,  интенсивность.  Это  общее  -  в языке  искусств.

При  этом  каждый  вид  искусства говорит  своим  языком:  живопись  - цветом,  графика  - линией  и  пятном, скульптура -  объемом,  музыка -  звуком,  интонацией,  танец  -  пластикой жестов и движений, литература - словом.  Авторы  в  своих  произведениях  с помощью  специфичных  для  того  или иного  искусства  средств  выражения расставляют  смысловые  акценты,  выделяют  самое  существенное.  Это  позволяет им передавать зрителям, слушателям,  читателям  различные  чувства, доносить  до  них  содержание  своих произведений.

Вольга и Микула Селянинович.  Былина

Когда воссияло солнце красное

На тое ли на небушко на ясное,

Тогда зарождался молодой Вольга,

Молодой Вольга Святославович.

Как стал тут Вольга растеть-матереть,

Похотелося Вольге много мудрости:

Щукой-рыбою ходить ему в глубоких морях,

Птицей-соколом летать ему под оболока,

Серым волком рыскать да по чыстыим полям.

Уходили все рыбы во синии моря,

Улетали все птицы за оболока,

Ускакали все звери во темныи леса.

Язык литературы- былина

Чтобы  научиться  разбираться  во всем  многообразии  искусства,  надо понять  образный  строй  художественного произведения, принадлежность  к определенному  стилю,  направлению.

Работа с раздаточным материалом (в конце поста). Симолизм цвета в искусстве иконописи. "Расшифровать" икону по ее цветовым характеристикам.

•  Рассмотрите  изображения  на  этих  страницах.  Какие  чувства  они  вызывают  у  вас?  Почему?
•  Послушайте  несколько  фрагментов  музыкальных  произведений.  Обсудите,  какой  эмоциональный  отклик  вызвало  у  вас  то  или  иное  произведение.
•  К  какому  стилю -  историческому,  национальному,  индивидуальному -  можно  отнести  эти произведения  искусства?
•  Какие  из  этих  произведений  созданы  современными  авторами?
•  В  чем  специфика  средств  выразительности  каждого  из  этих  произведений?  Какие  особенности  языка  помогают  понять  и  почувствовать  эти  образы?
•  Подберите  произведения —  музыкальные,  поэтические  или  изобразительного  искусства,  которые  языком  знаков  и  символов  рассказали  бы  о  каком-либо  событии  вашей  жизни,  о  том,  что оставило  след  в  вашей  памяти,  в  душе.
•  Как  вы  понимаете  выражения:  «стиль -  это  эпоха»  и  «стиль -  это  человек»?

Раздаточный материал:
Свое высшее развитие символика цвета получила в православной иконописи и мозаиках Восточной Церкви.

Белый - символ невинности души, чистоты и святости; этот цвет одежд ангелов и преображенного и воскресшего Христа. Как и в иконописи, в ювелирных изделиях он часто обозначает рай. Например, на многих эмалевых нагрудных крестах белый фон дублирует или заменяет криптограмму МЛРБ (место лобно рай бысть), говоря о восстановлении Спасителем утраченного рая. 
Синий - символ тайны, Божественной непостижимости, вечности, истины, откровения, мудрости. Цвет апостольских одежд. 
Голубой - цвет неба и одежд Божией Матери как Приснодевы, символизирует духовную чистоту и целомудрие, а так же - доверие и верность в браке. 
Зеленый - цвет весны и растительности, поэтому означает победу жизни над смертью и Вечную Жизнь, дарованную Спасителем. Символизирует Христа как Жизнедавца и Крест как Древо Жизни. Несмотря на основной позитивный характер ярко зеленого цвета, бледно зеленый может быть связан с сатаной и смертью. 
Красный - цвет Небесного очищающего огня, цвет животворного тепла, и в этом случае - символ жизни. Цвет крови, поэтому является символом жертвы и Пасхи. Цвет одежд святых мучеников. 
Пурпурный - символ царской власти, победы. Цвет одежд святых царей и князей. В этом же качестве иногда используется как символ Бога Отца. 
Золотой - цвет золота, образ нетварного Божественного света - абсолютной метафоры Бога: «Бог есть свет и нет в нем никакой тьмы» (1. Иоанна 1.5). 
Золото - символ солнца и царского достоинства, соответственно Христа как Солнца Правды и Царя Славы. Также является символом любви, откровенной истины, нетленности. 
Желтый - имеет два противоположных значения. Первое, когда он читается как золотистый желтый - тогда он несет всю позитивную символику золотого цвета. Если же это тускло-желтый цвет, то он означает измену, амбиции, скупость. Это цвет Иуды Искариота. Серебряный - несет символику белого и голубого цвета. Является символом чистоты обожженной плоти, а так же символом евангельского красноречия. Последнее основано на словах псалма 11.7: «Слова Господне - слова чистые, серебро, очищенное от земли в горниле, семь раз переплавленное». 
Розовый - символизирует детство. 
Бирюзовый - молодость. 
Сиреневый - печаль. 
Коричневый - цвет земли, означает смирение, бедность, отречение от мира. В этом смысле встречается на иконах в одеяниях святых и Божией Матери, а так же в одеждах некоторых западных монашеских орденов. 
Черный - цвет князя тьмы. Символизирует скорбь, болезнь, грех, а так же отрицание и отречение от мира (одежда монахов и священников). Однако, в сочетании с белым, символизирует смирение и непорочность. Черный, соединенный с синим, символизирует глубокую тайну, а с зеленым - старость. 
Серый - цвет пепла, символизирует скорбь и мертвенность, либо смирение, смерть тела и бессмертие души.

Опишите известные иконы, ориентируясь на использованные художником цвета.


Оглавление.

Музей – хранитель сокровищ мировой культуры

Ведущие художественные музеи мира. 2 урока.

Музеи можно назвать крупнейшими хранилищами реальных памятников истории, материальной и духовной культуры. В нынешнем понимании, музеи появились в начале XVIII века и стали неотъемлемой частью общественной жизни многих стран Европы. Однако некоторые коллекции, как то Галерея Уффици, начали собираться гораздо раньше.  Стоит также отметить, что большинство самых известных музеев мира возникло на основе частных коллекций и собирательской страсти отдельных личностей, своеобразных олигархов эпохи Возрождения.

         Галерея Уффици (Флоренция) - 1575 г.
Галерея Уффици - является одним из самых крупных и значимых музеев европейского изобразительного искусства. Музей находится во Флоренции, во дворце, построенном в 1560—1581 годах. Его коллекция картин включает признанные шедевры всех времен, в том числе работы Джотто, Симоне Мартини, Пьеро делла Франческа, Фра Анджелико, Филиппо Липпи, Боттичелли, Мантенья, Корреджо, Леонардо да Винчи, Рафаэля, Микеланджело и Караваджо. Также хорошо представлены работы немецких, голландских и фламандских мастеров, таких, как Дюрер, Рембрандт и Рубенс.

История Уффици начинается в июле 1559 года, когда правитель Флоренции Козимо I Медичи замышляет объединить все административные службы города в общем просторном дворце. Для реализации проекта был приглашен мастер Джорджо Вазари, который и начал работу в 1560 году. Однако в 1574 году Вазари умер, и заканчивал строительство уже его преемник, Бернардо Буонталенти. С 1575 года в здании Уффици началось формирование музея — его основу составила семейная коллекция Медичи.


         Дрезденская картинная галерея - 1560 г.
Имеет другое название "Галерея старых мастеров".  Исключительное по качеству собрание из приблизительно 750 картин старых мастеров, приобретённых в XVIII веке саксонскими правителями из альбертинской линии Веттинов. Ныне входит в состав Государственных художественных собраний Дрездена.
Как и во многих монарших резиденциях, начало всемирно известному собранию было положено основанным в 1560 году кабинетом изящных искусств (Kunstkammer), где наряду с природными феноменами, изделиями ручного труда и разного рода диковинками выставлялись полотна итальянских и фламандских мастеров живописи.

Систематически же собирать произведения старых мастеров стал курфюрст Август II Сильный (1670—1733), который слыл ценителем искусств и перестроил весь центр Дрездена. Помимо живописи, собрание саксонских курфюрстов включало уникальную коллекцию фарфора, интересную подборку научных инструментов и гравюрный кабинет - старейшую в Центральной Европе коллекцию графики.

Страсть к собиранию произведений искусства унаследовал от отца Август III. Подобно родителю, он мог себе позволить весьма дорогостоящие покупки за счёт поступлений из казны огромного Польско-Литовского государства, чей выборный трон он занимал. Для приобретения он отбирал только шедевры, полагаясь на советы проницательного Альгаротти.


В 1741 году Август III приобрёл 268 полотен из собрания Валленштейна, в том числе «У сводни» Яна Вермеера Делфтского. Чуть позже за ними последовали многочисленные работы из королевской галереи в Праге, а в 1745 году - «сто лучших картин» из собрания обедневшего герцога Моденского, среди которых были работы Корреджо, Веласкеса, Тициана. Состав галереи отражал вкусы европейской аристократии эпохи Просвещения. «Царём художников» в то время считался Рафаэль, а его лучшей станковой работой - «Сикстинская Мадонна». Это полотно удалось привезти из церкви Сан-Сиксто в Пьяченце.

        Британский музей - 1753 г.
Главный историко-археологический музей Великобритании и один из крупнейших музеев мира, основан в 1753 году, на основе трех коллекций — коллекции известного британского врача и натуралиста Хэнса Слоуна, коллекции графа Роберта Харли, а также библиотеки антиквара Роберта Коттона, которая стала основой Британской библиотеки. Создание музея было утверждено актом Британского парламента. Здание музея занимает площадь, эквивалентную 9 футбольным полям. Количество посетителей за время существования музея возросло с 5000 в год в восемнадцатом веке до почти 6 миллионов сегодня.

Музей изначально задумывался как собрание древностей Древней Греции и Древнего Рима. Вместе с археологическими находками и предметами искусства, которые свозили в Лондон со всех уголков колониальные агенты Британской империи, музей пополнялся рисунками, гравюрами, медалями, монетами и книгами самых разных эпох.

         Музей Ватикана - 1769 г.
В Ватикане, а именно в той части, которая доступна для всех туристов, есть две главные достопримечательности: Собор Святого Павла и Музей Ватикана. На самом деле, Музей Ватикана - комплекс крупнейших музеев, объединяющих ценнейшие музейные коллекции и уникальные папские дворцы города-государства Ватикан. Коллекция искусства Ватикана была основана в 1769 году. Музей Ватикана включает в себя 1400 залов и 50000 экспонатов. Один из самых известных -  Сикстинская капелла, истинная жемчужина музея Ватикана. В музее также находится зал с картами Италии, зал русской иконописи, Фрески Рафаэля, залы современного религиозного искусства, зал с коллекцией православных икон и многое другое.

          Лувр (Франция) - 1793 г.
Парижский Лувр — один из самых богатых и старейших музеев мира (для широкой публики открыт в 1793 году) с богатой историей коллекционирования художественных и исторических реликвий Франции, начиная со времен династии Капетингов и до наших дней. Лувр — старинный королевский замок в Париже, перестроенный во дворец, расположенный на правом берегу Сены между садом Тюильри и церковью Сен-Жермен-л'Осерруа. Возведение нынешнего здания Лувра длилось почти тысячелетие и неотделимо от истории самого города Парижа. Лувр занимает территорию около 160 тыс. квадратных метров, из которых на 58 470 располагаются экспозиции музея. Лувр можно назвать универсальным музеем, так как его коллекции покрывают огромные географические и временные пространства: от западной Европы до Ирана через Грецию, Египет и Ближний Восток. Европейское искусство новейшего периода времени — с 1848 года и до наших дней — представлено в Музее Орсе и Центре Жоржа Помпиду, а азиатское выставляется в музее Guimet. Искусство Африки, Америки и Океании экспонируется в музее набережной Бранли.

         Музей Прадо (Испания) - 1819 г.
Мадридский музей Прадо является одним из крупнейших и значимых музеев европейского изобразительного искусства. В музее представлено собрание живописи, скульптуры и декоративно-прикладного искусства, а также мировые шедевры мастеров испанских, итальянских, фламандских и других европейских школ. В коллекции музея хранятся одни из наиболее полных собраний Босха, Веласкеса, Гойи, Мурильо, Сурбарана и Эль Греко.

Здание музея представляет собой выдающийся образец позднего испанского классицизма.

Идея создать публичный музей на основе королевской коллекции появилась в конце 18 века. Но реализовалась она гораздо позже, в 1818. Свой вклад внесли две королевы Испании - Исабель де Брананца, а после его смерти - Мария Хосефа Амалия. Немка из Саксонии, Амалия, пожелала иметь музей вроде Дрезденской галереи и много сделала для его открытия. Датой основания музея считают 1819.

         Каирский египетский музей - 1835 г.
Самым большим в мире хранилищем предметов древнеегипетского искусства является Каирский египетский музей. Его коллекция насчитывает около 120 тысяч экспонатов всех исторических периодов древнего Египта, начиная с доисторической эры до Греко-Романского периода. История музея началась в 1835 году с указания Египетского правительства устроить выставку собранных музейных экспонатов, принадлежавших правительству, с целью предотвращения их разграбления. Здание нынешнего музея в нео-классическом стиле построено в 1900 г. по проекту французского архитектора Марселя Дюнона (Marcel Dourgnon).

        Метрополитен-музей (США) - 1870 г.
Расположенный в Нью-Йорке, Метрополитен-музей, является одним из крупнейших художественных музеев мира. Музей был основан в 1870 году группой американских бизнесменов и почитателей искусства (the Union League Club of New York). Он впервые открылся для публики 20 февраля 1872 года.

В основу музея легли три частные коллекции — 174 произведения европейской живописи, среди которых были произведения Халса, Ван Дейка, Тьеполо и Пуссена. Коллекция быстро росла, после смерти Джона Кенсетта во владения музея перешли 38 полотен из его частного собрания. Но только в XX-ом веке музей получил мировую известность.

Интересным фактом является также то, что музей существует на средства спонсоров и дарителей при небольшой государственной поддержке. Важной характеристикой для посетителей является то, что хотя цена входного билета обозначена, в музей можно пройти за минимальную плату, достаточно подойти к любому окошку кассы и протянуть любую монетку, а можно и ничего не предъявлять и попросить входной билет.

        Гугун (Китай) - 1925 г.
Гугун или «Запретный город» является самым большим по своей площади музейно-архитектурным комплексом. Он охватывает центральную часть Пекина, начинаясь от площади Тяньаньмынь, и простирается с юга на север на площади, занимающей 720 тыс. кв. м., то есть 72 гектара (примерно в три раза больше московского Кремля). Этот огромный обнесенный стенами и окруженный каналом с водой ансамбль, прежде всего, интересен как замечательный памятник средневекового зодчества. После свержения династии Цин, в 1911—1912 годах и выселения последнего императора Пу И из дворца, силами генерала Фэн Юйсяна в 1924 г, обширная коллекция предметов искусства, собранная минскими и цинскими императорами (около 1,17 миллионов единиц хранения, по описи, проведенной в 1925 году), перешла в руки республики. На их основе 10 октября 1925 года в бывшем императорском дворце был создан один из крупнейших в мире музеев.

         Национальная галерея искусств (США) - 1937 г.
Национальная галерея искусств основана в 1937 году Конгрессом США на основе крупных частных коллекций Эндрю Уильяма Меллона (также выделил 10 млн долларов США на строительство здания), Лессинга Дж. Розенвальда, Сэмуэла Генри Кресса и более чем 2000 скульптур, картин, предметов декоративного искусства и фарфоровых изделий из коллекции Джозефа Уайденера, а также других коллекционеров.

В галерее собрана одна из лучших коллекций искусства в мире. В экспозиции представлены произведения искусства европейских и американских мастеров: картины, скульптуры, рисунки, фотографии, графика, предметы декоративно-прикладного искусства.

Коллекция насчитывает около 1200 картин (особенно широко представлены полотна итальянских, французских и американских мастеров), одно из лучших в мире собраний живописи итальянского Возрождения, произведения голландского и испанского барокко. Правительством США галерее были переданы 20 тыс. рисунков и акварелей, изображающих историю американских ремёсел и народного искусства.

Д/З. К следующему уроку вам необходимо провести экскурсию по одному из музеев. Каждый попробует себя в роли экскурсовода. 
Чтобы создать экскурсию нужно провести предварительную работу:

Инструкция по созданию экскурсии в сервисе Академия культуры Google.

Чтобы войти в Академию культуры Google:
1.     Перейдите на страницу http://www.google.com/culturalinstitute.
2.     Щелкните стрелку в левом верхнем углу рядом со словом Обзор.
3.     Выберите Арт-проект, Вехи истории, или Чудеса света.
Чтобы создать виртуальную экскурсию или галерею:
1.     Перейдите на страницу http://www.google.com/culturalinstitute.
2.     Щелкните стрелку в левом верхнем углу рядом со словом Обзор.
3.     Выберите Арт-проект, Вехи истории, или Чудеса света.
4.     Изучите различные  экспонаты коллекций. Если вы видите элемент, который хотели бы сохранить в своей коллекции, наведите на него указатель мыши. Щелкните значок (+). Элемент будет добавлен в сохраненные экспонаты.
5.     Когда вы закончите добавлять экспонаты в коллекцию, щелкните Мои галереи в правом верхнем углу. У вас есть два варианта.
6.     Щелкните Новая пустая галерея.
7.     Щелкните Новая галерея из сохраненных экспонатов.
8.     Щелкните ДОБАВИТЬ НАЗВАНИЕ и введите заголовок.
9.     Добавьте описание.
10.  Если вы выбрали Новая пустая галерея, просто перетащите сохраненные элементы из нижней части страницы в нужном порядке.

Чтобы опубликовать галерею:
1.     Со страницы конкретной галереи (будет опубликована только она) щелкните Открыть для всех  в правом верхнем углу страницы. Ваша галерея будет опубликована.

Вы можете поделиться галерей одним из трех нижеперечисленных способов.
1.     Скопируйте URL из адресной строки браузера и перешлите его учащимся или учителям по электронной почте.
2.     Со страницы Мои галереи  Щелкните кнопку Поделиться в нижнем левом углу страницы. Будут опубликованы все ваши галереи.
3.     Выберите Google+1, Facebook, Twitter или кнопку ЭЛЕКТРОННАЯ ПОЧТА, чтобы поделиться своими галереями. Убедитесь, что вы знаете нужный адрес, если выбрали вариант ЭЛЕКТРОННАЯ ПОЧТА.

Сделай сам.  Если ты не знаешь английский язык, воспользуйся переводчиком Google

Подсказка как сделать.

 “Ваша галерея” - создайте свою художественную галерею.

Оглавление

Роль изобразительного искусства в синтетических видах творчества

http://fcior.edu.ru/card/3184/rol-i-znachenie-izobrazitelnogo-iskusstva-v-sinteticheskih-vidah-tvorchestva.html

http://www.prosv.ru/umk/5-9/info.aspx?ob_no=42266

Разнообразие синтетических форм современных искусств представлено в кино и театре. Оно объединило в себе слово и пластику, изображение и музыку.

Подлинный синтез достигается тогда, когда элементы различных искусств гармонично согласованы идейным замыслом.

Спектакль, кинофильм – это продукты художественного творчества коллективов. Лидерская роль в них принадлежит режиссеру. От его организационных и художнических функций зависит успех постановки.

Просмотр фрагмента спектакля.

- Какие виды искусства сочетаются в театральном искусстве?
- Какую роль играет изображение в постановке спектакля?
- Что дополняет игру актеров в этом виде искусства?

Сказка "Кот в сапогах".

Детский спектакль

Театр является синтетическим видом искусства, где изображение играет немаловажную роль. Театральные костюмы и декорации - основа создания  эпохи и атмосферы любого спектакля. Хотя изображение в спектакле играет не самую главную роль, так как выразительным средством театрального искусства является игра актеров.

Просмотр фрагмента кинофильма.("Человек с бульвара Капуцинов" - реакция зрителей, фильм с Чарли Чаплиным?)

- Какую роль играет изображение в кино по сравнению со спектаклем?

- В чем проявляются изобразительные средства кино в данном виде искусства?

Фильм по своей природе – визуальный вид искусства. Главное художественное средство кино – это изображение, т.е. снятые на пленку люди, события, предметы. Построение композиции, цвет, освещение заняли своё определенное место в этом фрагменте.

Вначале кино было черно - белым, без звука, а главным выразительным средством в фильме стало само изображение, чудо движущейся картинки.

Немое черно-белое кино

Немое черно - белое кино

На первых порах кино, чтобы доказать свою значимость как искусства, подражало живописи.

Приход звука в кино привел к том, что фильмы стали больше строиться на развитии сюжета и нюансах актерской игры, чем на изображении. "Картинка" стала дополнением к кинодиалогу героев. 

Фильм "Москва слезам не верит"

Фильм "Гостья из будущего". Инопланетяне.

Фильм "Три мушкетера"

Фильм "Старик Хоттабыч"

Актер Георгий Милляр в роли Бабы Яги

Затем начался новый этап - яркие краски цветного кино и компьютерные спецэффекты. 

Далее появилось стереоизображение (3-D эффект). 

Фильм "Аватар"

Фильм "Матрица"

Голос многочисленных искусств звучит на едином полифоническом языке, на котором говорит сегодня кино. И ни один из видов искусства невозможно исключить из кино.


Оглавление

Великие творения художников и зодчих России XVIII-XX вв

Живопись.
Во второй половине ХVIII века в русском искусстве формируется стиль классицизм, для которого характерны строгость рисунка, следование в композиции определенным правилам, условность колорита, использование сюжетов из Библии, античной истории и мифологии. Своеобразие русского классицизма заключалось в том, что его мастера обращались не только к античности, но и к родной истории, что они стремились к простоте, естественности и человечности. Классицизм как направление в русской художественной культуре безраздельно утвердился в конце XVIII - начале XIX веков. Этот период в русской истории живописи обыкновенно именуют высоким классицизмом.
Классицизм возникает и развивается под воздействием просветительских прогрессивных тенденций общественной мысли. Господствующими становятся идеи патриотизма и гражданственности, создания «нового отечества», внесословной ценности человеческой личности.

Фёдор Степанович Рокотов (1735 - 1808) - крупнейший московский портретист, работавший в период Русского Просвещения. Возможно, первый в России «вольный художник», не зависевший от государственных и церковных заказов.

Коронационный портрет Екатерины II (1763). Ф.Рокотов

Человек в треуголке. Ф.Рокотов.

Осознанный поворот новой русской живописи к демократическому реализму обозначился в конце 50-х годов, вместе с революционным просветительством Чернышевского, Добролюбова, Салтыкова-Щедрина. 9 ноября 1863 года 14 выпускников Академии художеств во главе с И. Крамским отказались писать дипломную картину на предложенный сюжет "Пир в Валгалле" и просили предоставить им самим выбор сюжетов. Им было отказано, и они демонстративно вышли из Академии, образовав независимую Артель художников. Второе событие - создание в 1870 году "Товарищества передвижных выставок", душою которого стал тот же И. Крамской. Передвижники были едины в своем неприятии "академизма" его мифологией, декоративными пейзажами и напыщенной театральностью. Ведущее место в их творчестве заняли жанровые (бытовые) сцены. Особой симпатией "передвижников" пользовалось крестьянство. В ту пору - в 60-70-е годы XIX века - идейная сторона искусства ценилась выше, чем эстетическая.
 Но нельзя сказать, чтобы Академия художеств не выдвигала талантов. Лучшие традиции академизма нашли развитие в великолепных полотнах мариниста, представителя романтизма Ивана Айвазовского. Собственно из стен Академии вышли многие выдающиеся художники. Это и Репин, и Суриков, и Поленов, и Васнецов, а позже - Серов и Врубель. В творчестве Крамского главное место занимала портретная живопись. Он писал Гончарова, Салтыкова-Щедрина, Некрасова. Ему принадлежит один из лучших портретов Льва Толстого.

Иван Николаевич Крамской (1837–1887), русский художник жанровой, исторической и портретной живописи. Жертвовать ли собой ради борьбы за справедливость, за высшие идеалы, или поддаться чувству самосохранения, замкнуться в личном благополучии? Вся жизнь и творчество Крамского - ответ на этот вопрос. Художник большого творческого темперамента, глубокий и оригинальный мыслитель, он всегда боролся за передовое реалистическое искусство, за его идейность и демократическую содержательность.

Христос в пустыне, 1872. И.Крамской

Портрет писателя Льва Николаевича Толстого, 1873. И.Крамской

Неизвестная. И. Крамской

Иван Константинович Айвазовский. Художник Маринист, оставил великое наследие своего творчества, которым не возможно не восхищаться. Его работы и по сей день самые заметные и обсуждаемые, имеющие огромную ценность для всего изобразительного искусства начиная с 19 века. Айвазовский за свою биографическую историю написал более шести тысяч картин, все это говорит о руке великого непревзойденного мастера, страстного любителя моря и всего связанного с ним.

Буря. И.Айвазовский.

Девятый вал. И.Айвазовский

Константинополь при луне. И.Айвазовский

На вторую половину XIX века приходится творческий расцвет И. Е. Репина, В. И. Сурикова и В. А. Серова.

С творчеством Ильи Репина связаны высшие достижения русской реалистической живописи XIX века. Картины Репина это целые миры, пережившие их создателя и живущие своей самостоятельной жизнью, в сердцах и умах миллионов. Галерея созданных Репиным образов необычайно разнообразна и широка.

Его кисти принадлежит ряд монументальных жанровых полотен. 

Пожалуй, не менее грандиозно, чем "Бурлаки на Волге", - полотно "Крестный ход в Курской губернии". Яркое голубое небо, пронизанные солнцем облака дорожной пыли, золотое сияние крестов и облачений, полиция, простой народ и калеки - все уместилось на этом полотне: и величие, и сила, и немощь, и боль России. 

Во многих картинах Репина затрагивалась революционная тематика ("Отказ от исповеди", "Не ждали", "Арест пропагандиста"). 

Ряд репинских полотен написан на исторические темы ("Иван Грозный и его сын Иван", "Запорожцы, сочиняющие письмо турецкому султану" и др.). Репин создал целую галерею портретов. 

Он написал портреты - ученых (Пирогова и Сеченова), - писателей Толстого, Тургенева и Гаршина, - композиторов Глинки и Мусоргского, - художников Крамского и Сурикова. 

Крестный ход в Курской губернии

Бурлаки на Волге. И.Репин. 1872-1873г.г.

Портрет композитора Мусоргского. И.Репин

Выдающимся мастером исторической живописи был Василий Иванович Суриков, отразивший в своих полотнах яркие исторические события, героические национальные характеры, полную внутренних противоречий историю русского народа.

В. И. Суриков (1848-1916) родился в Красноярске, в казачьей семье. Расцвет его творчества приходится на 80-е гг., когда он создал три самые знаменитые свои исторические картины: "Утро стрелецкой казни", "Меншиков в Березове" и "Боярыня Морозова". Суриков хорошо знал быт и нравы прошлых эпох, умел давать яркие психологические характеристики. Кроме того, он был прекрасным колористом (мастером цвета). Достаточно вспомнить ослепительно свежий, искрящийся снег в картине "Боярыня Морозова". Если же подойти к полотну поближе, снег как бы "рассыпается" на синие, голубые, розовые мазки. Этот живописный прием, когда два три разных мазка на расстоянии сливаются и дают нужный цвет, широко использовали французские импрессионисты.

В.Суриков. Утро стрелецкой казни

В.Суриков. Боярыня Морозова

Взятие снежного городка. В. Суриков.

Валентин Александрович Серов - прославленный русский портретист и один из крупнейших мастеров европейской живописи 19 века.
В. А. Серов (1865-1911), сын композитора, писал пейзажи, полотна на исторические темы, работал как театральный художник. Но славу ему принесли, прежде всего, портреты. В 1887 году 22-летний Серов отдыхал в Абрамцеве, подмосковной даче мецената С. И. Мамонтова. Однажды после обеда в столовой случайно задержались двое - Серов и 12-летняя Вера Мамонтова. Они сидели за столом, на котором остались персики, и за разговором девочка не заметила, как художник начал набрасывать ее портрет. Работа растянулась на месяц. В начале сентября "Девочка с персиками" была закончена. Несмотря на небольшой размер, картина, написанная в розово золотистых тонах, казалась очень "просторной". В ней было много света и воздуха. Девочка, присевшая за стол как бы на минуту и остановившая свой взор на зрителе, зачаровывала ясностью и одухотворенностью. Да и все полотно было овеяно чисто детским восприятием повседневности, когда счастье себя не сознает, а впереди - целая жизнь. Время поставило "Девочку с персиками" в ряд лучших портретных работ в русской и мировой живописи.

Девочка с персиками. В.Серов

Девушка, освещенная солнцем. В.Серов

Виктор Михайлович Васнецов. На формирование уникального внутреннего мира художника повлияли две главные взаимодополняющие первоосновы – семья и бытовое человеческое окружение. Сын сельского священника, Виктор Васнецов рос в российской глубинке среди крестьянских детей, всей душой впитывая красоту и поэзию русских народных былин и сказок. Первые уроки рисования, данные ему отцом, пробудили у мальчика неуемную тягу к изобразительному искусству. Из-за нее он впоследствии оставил семинарию, уйдя из предпоследнего философского класса и отправившись на учебу в Петербург.

Но далеко не сразу Виктор Михайлович обратился к былинным сюжетам и масляной живописи, на первых порах отдавая предпочтение жанровым сценам и графике. Это наложило сильный отпечаток на все его последующее творчество. Лучшие полотна этого художника несут на себе след уверенной и точной руки. 

Богатыри. В.Васнецов

Иван Царевич на Сером Волке. В.Васнецов

Выдающийся русский художник Василий Дмитриевич Поленов - фигура в русском искусстве в некотором роде загадочная. В историю искусства он вошел своим тихим, но очень сильным и проникновенным словом поэта в живописи, открывшего интимный мир старинной русской усадьбы.
С раннего детства мальчику прививалась глубокая любовь к природе. До середины 1850-х годов семья Поленовых выезжала на дачу в Царское Село, о котором художник всегда вспоминал «с особым чувством какой-то сказочной поэзии».
Поленовский пейзаж стал классическим произведением русской пейзажной живописи и одной из самых популярных и любимых картин в русской живописи XIX века.

Московский дворик. В.Поленов

Заросший пруд. В.Поленов

Русская деревня. В.Поленов

Михаил Врубель в своём творчестве обращался к проблемам бытия человека, к морально-философским вопросам о добре и зле, о месте человека в мире. Но в условиях сложного и противоречивого развития русской художественной культуры конца 19 - начала 20 вв. стремление решить эти вопросы приводило Врубеля, стоявшего в стороне от общественной борьбы своей эпохи и не видевшего реальных путей преодоления острых противоречий буржуазной действительности, к мучительным поискам выхода лишь во внутренней, духовной жизни человека.
Врубель обращался к романтике средневековья и Возрождения, к античной мифологии и русской сказке; в его произведениях нередки элементы загадочности, таинственности, характерные и для поэзии раннего русского символизма. Разносторонность художественного творчества как выражение мечты соединить искусство с жизнью, поиски высокого монументального стиля и национальной формы в искусстве, приверженность к орнаментальным ритмически усложнённым решениям придают произведениям Врубеля характерные черты стиля "модерн".

Царевна Лебедь. М.Врубель

Шестикрылый Серафим. М.Врубель

Демон сидящий

"Передвижники" совершили подлинные открытия в пейзажной живописи. Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897) сумел показать красоту и тонкий лиризм простого русского пейзажа. Его картина "Грачи прилетели" (1871) заставила многих современников по-новому взглянуть на родную природу.

Грачи прилетели. А.Саврасов

Не секрет, что испытывая большую нужду в деньгах на склоне жизни, Саврасов не раз повторял эту популярную картину. "Грачи прилетели" - знаменитая, чудная, нежная, до боли любимая, знакомая всем с детства картина, ставшая самым популярным русским пейзажем, своего рода, живописным символом природы средней полосы России.

Певцом русского леса, эпической широты русской природы стал Иван Иванович Шишкин (1832-1898). Один из даровитейших русских пейзажистов, живописец, рисовальщик и гравер-аквафортист, сын купца, родился 13 (25 по нов. стилю - прим. авт. сайта) января в Елабуге (Вятской губ.) в 1832 г.
Картины.

Утро в сосновом лесу. И.Шишкин. 1889г.

Вечер в сосновом лесу. И.Шишкин

Корабельный лес. И.Шишкин.

Архипа Ивановича Куинджи (1841-1910) привлекала живописная игра света и воздуха.
Таинственный свет луны в редких облаках, красные отсветы зари на белых стенах украинских хат, косые утренние лучи, пробившиеся сквозь туман и играющие в лужицах на раскисшей дороге, - эти и многие другие живописные открытия запечатлены на его полотнах.

Украинская ночь. А.Куинджи

Лунная ночь на Днепре. А.Куинджи

История создания шедевра.

Своей вершины русская пейзажная живопись XIX века достигла в творчестве ученика Саврасова Исаака Ильича Левитана (1860-1900).
Исаак Левитан - самый великий из тех русских пейзажистов, которые в XIX веке открыли для современников скромную красоту русской природы. Начиная работать под руководством Саврасова и Поленова, Левитан вскоре оставил далеко позади своих учителей, навсегда вписав свое имя в пантеон отечественной культуры.
Левитан - мастер спокойных, тихих пейзажей Человек стеснительный и ранимый, он умел отдыхать только наедине с природой, проникаясь настроением полюбившегося пейзажа. Заштатный городок Плес на верхней Волге прочно вошел в творчество Левитана. В этих краях он создал свои полотна: "После дождя", "Хмурый день", "Над вечным покоем". Там же были написаны умиротворенные вечерние пейзажи: "Вечер на Волге", "Вечер. Золотой плес", "Вечерний звон", "Тихая обитель".

Март. И.Левитан

Саввинская Слобода под Звенигородом

Золотая осень. Слободка.

Обращение к национальным темам привело к небывалому расцвету исторической и батальной живописи. В эти годы открываются первые национальные художественные галереи; произведения русских художников начинают регулярно появляться на международных выставках и в заграничных художественных салонах. Многие картины Репина, Сурикова, Левитана, Серова и других передвижников попали в собрание Третьякова. П. М. Третьяков (1832-1898), представитель старинного московского купеческого рода, был необычным человеком. Худой и высокий, с окладистой бородой и тихим голосом, он больше походил на святого, чем на купца.

Портрет П.М.Третьякова. И.Репин

Собирать картины русских художников начал с 1856 года. Увлечение переросло в главное дело жизни. В начале 1890-х годов собрание достигло уровня музея, поглотив почти все состояние собирателя. Позднее оно перешло в собственность Москвы. Третьяковская галерея стала всемирно известным музеем русской живописи, графики и скульптуры. В 1898 году в Петербурге, в Михайловском дворце (творение Карло Росси) был открыт Русский музей. В него поступили произведения русских художников из Эрмитажа, Академии художеств и некоторых императорских дворцов. Открытие этих двух музеев как бы увенчало достижения русской живописи XIX века. В конце 1890-х годов еще плодотворно работали ведущие мастера критического реализма - И. Е. Репин, В. И. Суриков, В. М. Васнецов, но в это время в искусстве проявилась и иная тенденция. Многие художники стремились отыскать теперь в жизни прежде всего ее поэтические стороны, поэтому даже в жанровые картины они включали пейзаж. Часто обращались и к древнерусской истории. Эти веяния в искусстве отчетливо прослеживаются в творчестве таких художников, как А. П. Рябушкин, Б. М. Кустодиев, М. В. Нестеров, отчасти А. Е. Архипов.

Крупный художник этого времени - Борис Михайлович Кустодиев (1878-1927) изображает ярмарки с разноцветными ложками и грудами пестрых товаров, русские масленицы с ездой на тройках, сцены из купеческой жизни.
Кустодиев начал свой путь как художник-портретист. Однако, по мнению А. Бенуа:
«…настоящий Кустодиев — это русская ярмарка, пестрядина, "глазастые" ситцы, варварская "драка красок", русский посад и русское село, с их гармониками, пряниками, расфуфыренными девками и лихими парнями… Я утверждаю, что это его настоящая сфера, его настоящая радость… Когда же он пишет модных дам и почтенных граждан, это совсем другое - скучноватый, вялый, часто даже безвкусный. И мне кажется, не в сюжете дело, а в подходе к нему».

Портрет Ф.И.Шаляпина. Б.Кустодиев

Масленица. Б.Кустодиев

Купчиха за чаем. Б.Кустодиев

Александр Андреевич Иванов (1806-1858) - русский художник, создатель произведений на библейские и антично-мифологические сюжеты, представитель академизма, автор грандиозного полотна «Явление Христа народу».
Еще будучи учеником Императорской Академии Художеств был награжден в 1824 году малой золотой медалью за написанную по программе картину «Приам испрашивает у Ахиллеса тело Гектора».

«Приам испрашивает у Ахиллеса тело Гектора». А.А.Иванов

Явление Христа народу. А.А.Иванов

Павел Андреевич Федотов  (1815-1852), выдающийся русский живописец, график.
Известен как один из самых ярких и влиятельных представителей русского романтизма. Кроме того, Павел Федотов стал одним из первых, кто стал следовать стилистике сатиры или критического реализма в русском искусстве. Это делает его одним из важнейших деятелей культуры нашей страны, который повлиял на ход развития изобразительного искусства и вошёл в историю, как талантливый человек, предпринявший важные шаги в развитии русской живописи.

Жанры его картин довольно разнообразны, начиная от портретов и жанровых сцен и заканчивая батальными полотнами. Особым вниманием пользуются картины Павла Федотова в свойственной ему стилистике критического реализма. В этих картинах он выставляет человеческие слабости и саму человеческую сущность напоказ. Такие картины являются очень остроумными, и в его время были настоящим откровением. Жанровые картины, где высмеиваются пошлость, глупость и вообще разные стороны человеческих слабостей, в русском искусстве его времени были практически новаторством.

Сватовство Майора. П.Федотов

Свежий кавалер. П.Федотов

Козьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1939) - один из самых крупных и оригинальных русских художников первых десятилетий XX века. В его искусстве были стянуты в крепкий узел, казалось, далекие друг от друга художественные тенденции. Его произведения вызывали яростную полемику, страстные столкновения зачастую прямо противоположных мнений и оценок - от восторженных похвал до презрительных насмешек (в том числе и со стороны такого колосса как Репин). Это была личность сложная и в то же время цельная. Выдающийся живописец, непревзойденный рисовальщик, самобытный теоретик, прирожденный педагог, талантливый литератор, видный общественный деятель. Человек многосторонне одаренный. Художник, единственный в своем роде и типичный сын своего времени, с равным интересом писавший и русские иконы и вождя революции Ленина.

Купание красного коня. К.Петров - Водкин

Скульптура.

Сергей Тимофеевич Конёнков (1874-1971) - выдающийся русский и советский скульптор. Народный художник СССР (1958). Герой Социалистического Труда (1964). Лауреат Ленинской премии (1957) и Сталинской премии третьей степени (1951).
Ещё до революции Конёнкова называли «русским Роденом».

Атланты. С.Конёнков

Купальщица. С.Конёнков

Вера Игнатьевна Мухина (1889 года-  1953 года) - советский скульптор. Народный художник СССР (1943). Действительный член АХ СССР (1947). Лауреат пяти Сталинских премий (1941, 1943, 1946, 1951, 1952).
Её монумент «Рабочий и колхозница» был установлен в Париже на Всемирной выставке 1937 года. Композиция В. И. Мухиной венчала советский павильон, спроектированный архитектором Б. М. Иофаном.
В 1939 году монумент был установлен недалеко от северного входа на Выставку достижений народного хозяйства (ВДНХ). С 1947 года эта скульптура является эмблемой киностудии «Мосфильм».

Рабочий и колхозница. В.Мухина

Ксилография (гравировка по дереву), книжная графика, сценография.

Владимир Андреевич Фаворский (1886-1964) - русский, советский художник, мастер портрета, ксилографии и книжной графики, искусствовед, сценограф, живописец-монументалист, скульптор, педагог и теоретик изобразительного искусства, писатель. Действительный член АХ СССР (1962). Народный художник СССР (1963). Лауреат Ленинской премии (1962).

Большая битва с половцами. Страничный разворот к "Слову о полке Игореве" 1950 г.

Иллюстрация к "Борису Годунову " А. С. Пушкина

Пушкин-лицеист. 1935 г.

Оглавление